FUJISAN/ LIULITUN/ TSUMARI STORY

FUJISAN/ LIULITUN/ TSUMARI STORY

BY RONGRONG & INRI

Fujisan Series [These are examples of] collaborative works that RongRong and inri created after they had found each other and fallen in love. As if reborn from ruins, nature, still unspoiled, comes back to life. The two photographers embrace this amazing world. Harmony has triumphed; struggle has subsided. Sensual pleasure has returned to supply a main purpose for artistic creation; even the frozen, frightening winter landscape of Mt. Fuji can only inspire joy. Looking around at today’s world filled with hatred and misunderstanding, I am relieved to see the persistence of the old ideal of chan tui-immortality in these beautiful images.

-Text by Hu Hung from Tui (Transfiguration) – The Image World of RongRong and inri, 2003

Liulitun Series RongRong&inri first lived together in Liulitun. In this very short, almost utopian, period, they focused entirely on photography. In 2002, when the city of Beijing was expanding, buildings all over town were being demolished and rebuilt. RongRong&inri lost their home and were forced to leave. When their courtyard was turned into a pile of rubble, RongRong&inri held a funeral for their home; they were the only ones in attendance, presenting white lilies. In Liulitun, RongRong&inri chose not to objectively photograph the perpetually changing urban landscape. Instead, they focused on their own lives and their relationships to these changes; this became the foundation for their lives today.

Tsumari Story Series After a decade in which Rong Rong and inri lived in Beijing, they moved to Japan with their three sons late in 2012. The photographs they had created together provide an intensely personal chronicle of their life together in Beijing as it changed beyond all recognition, and the development of the Three Shadows Photography Art Centre among other subjects. When they were invited to participate in the Echigo Tsumari Triennial in 2012, they were inspired by the magnificent landscapes of the “Snow Country” and the unchanging way of life they found there to create a new body of work that explores their relationship to each other and to the forces of nature. Wearing traditional Japanese costume, they appear in dramatic photographs taken inside a traditional Japanese house, enjoying the pleasures of onsen and braving the snowfalls for which the area is famous. For the first time, their three sons feature as participants in many of the photographs, adding a new dimension to the poetic transcription of their life together for which their photographs are celebrated. The Tsumari Story represents the work of the two photographers at the height of their powers as they respond to the new rural environment in which they lived for much of 2012.

1_  an image of the Fujisan Series

2_  an image of the Fujisan Series

3_  an image of the Liulitun Series

4_  an image of the Liulitun Series

5_  an image of the Tsumari Story Series

6_  an image of the Tsumari Story Series

About the author
RongRong (China) and inri (Japan) have been working together since 2000. Their works reflect the intimate world that they have created together and push the boundaries of traditional black-and-white darkroom techniques. Their critically acclaimed series of works, such as Mt. Fuji (2001), Liulitun (1996-2003), and Tsumari Story (2012-2014), reflect their shared life and surroundings, delving into the rapidly changing world around them. In 2007, RongRong & inri established the Three Shadows Photography Art Centre in the Beijing arts district Caochangdi. In 2008, they launched the annual Three Shadows Photography Award, a prize aimed at discovering and encouraging China's most promising young photographers. In 2010, they started a collaboration with the Arles International Photography Festival and coproduced the Caochangdi Photo Spring Festival in Beijing for three years from 2010 to 2012. They have continued this collaboration at Three Shadows' Xiamen location, where since 2015 they have cohosted the Arles x Jimei Festival . RongRong&inri received the Outstanding Contribution to Photography prize at the 2016 Sony World Photography Awards, recognized for both their careers as artists and their significant impact on Asian photography.

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Courtesy and copyright © 三影堂＋3画廊  |  Three Shadows +3 Gallery

ERRANTE

ERRANTE

BY MARIA JOÃO FERREIRA 

Em “errante” reúne-se um conjunto de imagens que derivam de um arquivo fotográfico pessoal. Fotografias revisitadas, na procura de pistas, como auxilio à memoria, de um caminho percorrido. A relação entre memória e o medium fotográfico, forma um novo discurso, através da deformação do próprio medium. As deturpações da memória criam novas regras para a apresentação das imagens. A sugestão narrativa forma-se através da imaginação, sobrepondo-se ao lembrar involuntário. Cria-se uma identidade, uma personagem, que vagueia entre momentos que se confundem com imagens alucinatórias. A mutabilidade dos espaços, dos objetos e das pessoas que surgem, apelam à vulnerabilidade das recordações. Mas desta fragilidade, nasce uma sensibilidade para a observação dos fragmentos.

Sobre o autor 
Maria João Ferreira nasceu em Portugal em 1994. Artista visual cujo trabalho se desenvolve em torno da imagem, envolvendo e explorando o medium da pintura, da fotografa, da impressão e do desenho; reflectidos através da construção de instalações. Licenciada em Pintura pela Faculdade de Belas Artes Da Universidade do Porto, onde frequenta actualmente o Mestrado de Design da Imagem. Vive e trabalha no Porto.

Fotografa analógica (2010 / 2017) manipuladas no processo de digitalização.

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EPIFANEIA

EPIFANEIA

BY MARIA BOURBOU

Maria Bourbou was born in 1971 in Athens, where she grew up. After that, she studied photography at the private photography school Dimitrios Hliveros, in 1998. In 1999, she participated in a seminar by Nikos Oikonomopoulos (Magnum Agency), provided by the Hellenic American Union, under she subject “Objective and subjective truth in photography”. Three years after, at the same place, she took part in other seminar by Jerry Schatzberg (photographer/film director), under the sibject “Photography-Relations to cinema”.
In 2015, she went to a workshop with Jem Southam in Lisbon, at Atelier de Lisboa.
She moved to Luxembourg in 2006, and in 2012, she moved back to Lisbon.
 

synopsis

Burning from the disruption,
you shake every structure
Exactly...
the eyes embrace the bear truth,
mine, before you.
Abruptly I mould myself in the drought,
alone...
dismayed by the solid beauty.

editor's note

Our aim is to disseminate and bring to light telling work of emergent or young photographers.

EST-CE QUE

EST-CE QUE

POR JOSÉ MANUEL SOARES

José Manuel Soares nasceu no Porto em 1964. É fotógrafo e professor. De 1993 a 1995 leccionou a disciplina de Tecnologia da Comunicação Educativa na Faculdade de Ciências da Educação do Porto e, de 2006 a 2013, é professor de fotografia na EB2/3 de Valongo.
O seu trabalho já foi publicado em várias revistas e jornais a nível nacional, como “O Primeiro de Janeiro”, “Em Foco”, “Tal&Qual”, “Jornal de Notícias”, “Diário de Notícias”, “O Jogo”, “Blitz”, “A Página”, e também a nível internacional, como “Réponses Photo”, “Photo”, “Pois”, Blickpunkt”.
O seu trabalho foi também publicado em vários livros, bem como é notória, também, a sua participação na ilustração gráfica de livros.
Para além disso, já deu várias conferências na área da disciplina da Fotografia, e já participou, também, em muitas exposições a título individual e colectivas.

synopsis

As fotografias da série “Est-ce que” não estão relacionadas entre si.
Cada fotografia fica como uma unidade narrativa, colada apenas a pequenas semelhanças formais que se podem adivinhar na totalidade do projecto.
No olhar assumido, na encenação de alguns personagens, no cenário, na codificação de olhares entre o fotógrafo e o fotografado existem segundos (em alguns casos) ou vidas inteiras (na maioria) que podem ser reinventadas através do exercício simples de olhar e deixar que cada imagem se acomode no imaginário, se constitua como um legado pessoal de quem vê e não uma atitude directiva do autor. 
Ficaria completamente satisfeito se estas imagens roubadas ou inventadas num contexto de realidade, fossem, dentro da cabeça de quem as vê, uma escada para lugares, desejos, fragâncias ou até soturnas e ridículas analogias.
No meu enquadramento há uma constante flutuação de pensamentos, embora sempre reinventados a partir do meu passado. Por entre as imagens descubro curiosas influências. Parece lógico que assim seja. Inevitável que assim se analise.
Formulo a hipótese que me leva a usar a fotografia como aconchego para o pensamento: em cada novo olhar uma nova verdade aparece, essa verdade será recondicionada ou alterada na edição.
Sinto-me confortável com este registo cheio de pequenos maneirismos e seduções.
“Est-ce que” confirma esta vontade de voltar à fotografia tal como a conheço. Fica, neste projecto, um conjunto de histórias marcadas por um ritmo aleatório, com um som afrancesado de fundo e uma leve luz de Paris.

editor's note

The presented project was selected from a spontaneous submission made by José Manuel Soares.

PORTAS, 'COSE CHE SONO SOLO SE STESSE'?

PORTAS, 'COSE CHE SONO SOLO SE STESSE'?

POR SEBASTIANO RAIMONDO

Sebastiano Antonio Raimondo nasceu em 1981, em Gangi, na Sicília.

Nos anos em que a imagem digital começava a ganhar mais espaço, tanto na representação do projecto arquitectónico, como na vida de cada pessoa, levou a cabo uma reflexão sobre a capacidade dessa gerar a ideia de lugar e o papel da fotografia nessa representação e na vida comum das pessoas. Foi fundamental o encontro com o fotógrafo e professor Giovanni Chiaramonte na Faculdade de Arquitetura de Palermo, com o qual começou a dedicar-se totalmente à fotografia, identificando-se com a tradição da fotografia de paisagem italiana.

Em 2009 foi autor de “avere luogo – immagini di un’idea di paesaggio”, trabalho que surgiu da necessidade de utilizar a fotografia como meio de expressão para orientar-se no mundo, entre a paisagem urbana, natural e aquela que já se encontra representada.

Em 2010 elabora “uma ponte”, trabalho realizado em Lisboa, cidade onde decidiu terminar os seus estudos com uma tese de fotografia, orientada por Giovanni Chiaramonte e pelo Professor Arquiteto Paulo Alexandre Tormenta Pinto.

Em 2013 publicou “Sob a luz do sol também os sons brilham” artigo e fotografias para a revista portuguesa “Passagens”, uma viagem na CRIL de Lisboa, onde se mostra como construir um lugar e habitar esse espaço com a fotografia. Desde 2013 faz parte do grupo “presente infinito”, colectivo de jovens fotógrafos italianos, com quem realizou o livro manifesto homónimo, varias exposições pela Itália e o projeto comum “Napoli 2015 – nuova luce”.

Actualmente, vive em Lisboa onde prossegue os seus estudos com um Doutoramento em Arquitetura dos Territórios Metropolitanos Contemporâneos, no ISCTE-IUL.

Synopsis

O título è retirado de dois textos que aqui cito breves trechos [1].

O breve texto que segue tem por ambição apresentar o estado e progressão da minha pesquisa fotográfica em redor do conceito de limiar. Considerando que a experiência de transpor uma porta é na sua totalidade de complexa restituição, envolvendo todos os sentidos, sem que nenhum deles seja privilegiado ou disponha sequer de um dispositivo adequado à sua encenação. A sequência de imagens é subdividida em partes e tal como numa narração lógica começa pelas hipóteses, segue-lhe uma argumentação e termina, com outras possíveis vias, de forma aberta.

Esta pesquisa é conduzida através da fotografia com referimentos a “Passages de Paris” de Walter Benjamin, aqui o autor identifica na imagem veloz a possibilidade de manifestação do limiar [2]. Em primeiro lugar, pensei que a fotografia, enquanto análoga do visível e devido à sua particular relação com a temporalidade, poderia ser um instrumento apropriado para indagar e tornar visível a porção de tempo que intercorre entre um e o outro lado do limiar. Procurei pesquisar a “realidade” de uma porta indo além da ideia espacial de limite ou confim, tentando compreender aquilo que a fotografia poderia dizer antes, durante e depois do limiar.

Indagar a porta “através [3] da fotografia significa olhar para ela como que de uma janela [4], coisa bem diferente de atravessá-la fisicamente porque o próprio instrumento, a partir do aparecimento da perspectiva e da objectiva [5] foi concebido como uma janela, no sentido arquitectónico do termo [6], a partir da qual observar o mundo e construir dele uma imagem. Estas imagens tentam colocar-se, por isso, no limiar entre a realidade ontológica (os objectos ou os espaços representáveis) e o conseguinte “real epistemológico” (objectos e lugares representados) [7].

Enquanto fotógrafo, creio numa teoria do olhar, “... entendida como o lugar onde o sujeito cumpre a própria experiência da luz [8] e penso no primado que reside no facto de esta responder expressivamente (não no reagir) à realidade indo-lhe ao encontro e cuidando dela. Quem olha responde, não vê simplesmente, o que não é necessariamente corresponder à essência das coisas porque tem a que ver com aquele que olha e é influenciado pela própria experiência.

Só se consegue ver para lá do limiar, com a luz que procura uma figura e que tenta transformar a janela em espelho: possibilidade de olharmo-nos enquanto se olha. Esse olhar não nos dá a posse exclusiva de alguma coisa, é mais um instrumento que não deve cessar nunca de procurar, animado apenas pela esperança de encontrar uma via; um caminho cuja marca no terreno só permanece quando percorrido quotidianamente.

Este projecto termina momentaneamente com um caminho de regresso a casa, um repercorrer a própria estrada como num mapa [9], que leva diante de uma porta. Aquela casa não é mais aquela de um tempo e hoje posso atravessar a sua porta apenas com a minha sombra, pois penso que a maioria das imagens de que é feito hoje o mundo voltaram a ser simplesmente janelas. Estamos ainda à espera de atravessar aquele limiar do qual fala Benjamin, uma imagem charneira que como um espelho transparente esperamos atravessar para passar do sonho, já não aquele surrealista, à vigília.

Um limiar antes de ser atravessado é uma margem da qual, tal como de uma janela, podemos apenas imaginar, talvez ver, aquilo que está diante de nós. A travessia do limiar é dimensão temporal, um fragmento [10], uma fração de segundo vista da nossa janela. Visitar este lugar com a fotografia, que para mim é uma experiência espacial e performativa de procura de um equilíbrio, com o outro e com o mundo [11], é o que este trabalho quer transmitir.

Uma possibilidade entre outras experiências.

[1] O primeiro in Paolo Costantini, Cose che sono solo se stesse. Milano Montreal 1996, Electa CCA.

“… forse per questo io affido a frammenti dispersi, intuizioni … il compito di trasformare in piccole certezze, un insieme di punti da unire tra di loro per tracciare un itineriario possibile, come fossero i sassi di Pollicino, per ritrovare una strada…”.

O segundo in Aldo Rossi, Autobiografia scientifica. Milano 2009, Il Saggiatore.

“… mi interessano molto le cose che stanno per dirsi e il meccanismo con cui si potrebbero dire, pur sapendo che un altro più oscuro impedisce il compiersi regolare delle operazioni necessarie perché qualcosa avvenga…”.

Este projecto nasceu em 2011 e foi publicado originalmente na revista digital Interact n°21 del CECL, Centro de Estudos de Comunicação e Linguagens, em 2014, no link http://interact.com.pt/21/porte/

As fotografias desta pequisa, ainda não concluída, foram feitas em pelicola 120 entre 2011 e 2015, simplesmente extraída da prova a contato para poderem refletir e começar a mostra-las antes que seja feita uma ulterior seleção e que sejam pré-estampadas e produzidas em definitivo.

[2] Walter Benjamin, I passages di Parigi. Torino 2001, Piccola Biblioteca Einaudi.

[3] Cfr. Erwin Panofsky, La prospettiva come “forma simbolica” e altri scritti. A cura di Guido Neri con una nota di Marisa Dalai. Milano 1966, collana SC/10, Giangiacomo Feltrinelli Editore.

[4] Cfr. Sebastiano Antonio Raimondo, Uma ponte – La fotografia, un modo di abitare il mondo e costruirlo. Tesi di Laurea, relatori Prof. Giovanni Chiaramonte e Prof. Arq. Paulo Alexandre Tormenta Pinto. Università degli studi di Palermo AA 2013, Facoltà di Architettura.

[5] Cfr. Chiaramonte Giovanni, Storia della fotografia. Milano 1983, Jacabook.

[6] Cfr. Sebastiano Raimondo, Avere luogo – immagini di un’idea di paesaggio. Palermo 2009.

[7] Para o significado de espaço e lugar cfr. E. Garlaschelli S. Petrosino, Lo stare degli uomini – sul senso dell’abitare e sul suo dramma. Genova Milano 2002, Casa Editrice Marietti S.A. Para o uso diverso das palavras realidade e real em relação a ontologia e iconologia cfr. Bentornata realtà – il nuovo realismo in discussione, a cura di Mario De Caro e Maurizio Ferraris. Torino 2012, Giulio Einaudi Editore.

[8] Cfr. Silvano Petrosino, Piccola Metafisica della Luce. Milano 2014, Editoriale Jaca Book.

[9] Cfr. Franco Farinelli, Guillaume Monsaigeon, M. Gonçalo Tavares, Mappamundi, Lisbona 2011, Museu Coleção Berardo. Op Cit. Erwin Panofsky, La prospettiva come “forma simbolica” e altri scritti.

[10] Cfr. Rosalind Krauss, Teoria e storia della fotografia. Milano 1996, Edizioni Scolastiche Bruno Mondadori.

[11] Cfr. Sebastiano Raimondo, Sob a luz do sol também os sons brilham, in Paulo Alexandre Tormenta Pinto, PAISAGENS DISTANTES, a CRIL uma avenida pós-moderna . Passangens nº1, Lisboa 2013, Caleidoscópio. Op. cit. Sebastiano Antonio Raimento, Uma ponteo - La fotografia, un modo di abitare il mondo e construirlo.

COLEÇÃO (I)

COLEÇÃO (I)

BY CILLAS SEYDE

Cillas Seyde (1988) é uma artista visual que vive e trabalha em A Coruña, Espanha. Licenciou-se em Belas Artes pela Universidade de Vigo em 2011 e em 2014 acaba o Mestrado em Práticas Artísticas Contemporâneas pela Universidade do Porto. Ao longo do seu precurso artístico paticipou em várias exposições colectivas e individuais tanto no Porto como em outras cidades europeias: “Hidden in the center” (Bruxelas, 2011), “Traza urbana” (A Corunha, 2012), “NowHere” (Porto, 2014).

Synopsis
Serie de  slides composta por imagens de diferentes registos lumínicos.
Para esta série estava interessada em “coleccionar” diferentes momentos de luz, onde o papel da luz actua como um elemento que desenha a imagem, que a compõe.

Série de 20 slides a cor, 2014.

CACHE

CACHE

BY DANA STIRLING

Dana Stirling is a still life and fine art photographer, and the Co-Founder & Editor In-Chief of Float Photo Magazine. She was born in Jerusalem, Israel, and based in Queens, NY; Received her MFA from the School of Visual Arts in Photography, Video, and Related Media in 2016 and her BA from Hadassah College Jerusalem in Photographic Communications in 2013. Stirling’s work has been exhibited internationally including Fresh Paint Art Fair in Tel Aviv, UNICEF Next Generation Photo Benefit Aperture Foundation NY, “A Process – Der Grief” in Neue Galerie, Höhmannhaus Germany, Google photography Prize at Saatchi Gallery London UK, Brick Lane Gallery, London UK and Tel Hai Museum of Photography.


Synopsis

My family roots back to England, but I was born in Israel. I was a child on a fence; a daughter to a migrating family. The house within culturally stayed European but outside was the Israeli controversial culture. I always felt a misfit with my partial incomplete identity; torn apart between parents who have never blended in to the Middle Eastern culture I felt only half belonged too. Over the years I have heard of my parent’s memories and stories. I remember hearing of snow, youth and happiness. Stories of happier days. The stories held on to the memories of time and culture that I wasn’t a part of, and portraits of family members that always remained anonymous to me and their faces where no more distinct than any other person in generic photo album. These stories were supposed to be my heritage. As I grew up I’ve started to question photography’s function as my memory, as my family heritage. My photographic practice chains together straight and still life photography, found footage from my family history and imagery from family albums. Using photography I've conducted an examination of my history. Due to the migration of my family from England to Israel that history discontinued, and therefore I find it hard do consider it as mine. In order to regain my history I’ve appropriated images, along with ones that I have made myself, and edited them into a book titled “cache memory”. The statement that represents the book is the definition of its title – cache memory. The decision to name the book and present it through this definition is handed down as recognition of what is hidden in photographs, coded and read through context; that photographs can unfold memories but not necessarily the same ones that were originally embedded in them. I’m researching a history that I don’t see as actually mine; Family memories that I am not part of. The images become objects that I use in order to create a new history and memory of my own; people and places as I would like to remember and understand them. I started not only looking for my identity in the old photos but also reflect my feelings from these photos on to the world around me. I look for Moments and objects were there is a tension that is created by their incomplete aesthetic. Photography allows me to look at the little and unimportant objects around me and make them a part of my history just by giving them attention. By looking at them I capture them to remember, not letting them go away, yet not trying to save them. Watching their last seconds before I leave and the moment becomes irrelevant, capturing their last breath. With my camera I grant them with eternity and in that I grant myself a memory.

A FADING LANDSCAPE

A FADING LANDSCAPE

BY MARTIN CREGG

Martin Cregg is an Irish photographer and educator living in Dublin. He has exhibited in Ireland and Internationally - recently at 'Illuminations' NUIM, PhotoIreland (2013) Les Rencontres d'Arles (July 2012), the Natural History Museum in Leeuwarden (July 2012) and in Shanghai as part of the 'Postcards from The Celtic Tiger' Group show. Cregg is a member of the international Reflexions Masterclass - presenting work in Basel, Paris, Venice and Lugano in 2010-2011. In 2010 he was one of the Irish nominations for the Prix Pictet. In 2011 his 'Photo Course' project was shortlisted for the FOAM Talent Call. Further in 2012, he is nominated for the Irish Contemporary Award - SHOWCASE at The Gallery of Photography and his ongoing work 'Suspended State' was selected for the FORMAT festival in the UK. Cregg’s work has been published in a variety of magazines and books including ‘Ireland and Photography’ by Dr Justin Carville; ‘Photographies 2002 – 2012’ published by Actes Sud; Magazines such as Source and Irish Arts Review, as well as a list of internationally successful on-line blogs and magazines. His 10 year project 'MIDLANDS' has just been released as a self-published book.

synopsis

‘A Fading Landscape’ is part of an ongoing personal work, which explores my complex relationship to my rural background, a personal sense of heritage and the obligation of tradition connected to the landscape.  Since the early 19th Century, generation after generation of my family have maintained the tradition of farming on this land. The work expresses an uncomfortable balancing act between belonging and disassociation. I find myself longing to connect, or reconnect, to the place or to the landscape. But, the overriding impression is one of departure - an ever-unfolding distance and increasing separation.

A FORM OF VIEW

A FORM OF VIEW

BY YOAV FRIEDLÄNDER

My Grandfather Kurt fled Austria to Israel immediately after the Kristallnacht, served in the British Brigades during WWII and later in the Israeli Army. After High School I’ve joined the Israeli army myself for a mandatory service as a paratrooper, and became the fourth generation of army soldiers. I grew up in the valleys of the Judean Desert between Jerusalem and the Dead Sea. I am native to Israel but uprooted from my past. I’d got my B.A in photography from Hadassah College Jerusalem (2011), and an MFA from the School of Visual Arts. Selected exhibitions: Belfast Photo Festival (2011); NY Photo Festival (2013) ; Flash Forward (2013) ; Local Testimony – Eretz Israel Museum, Tel Aviv (2013) ; Duesseldorf Photo Weekend (2014) ; International Photography Festival, Israel (2014) ; UNICEF photo Benefit Auction, Aperture Gallery, New York (2014) ; Fresh Paint 7, Tel Aviv (2014) ; Bronx Museum of the Arts Biennial, New York (2015) ; Chinese New Year Festival, Javits Center (The Chief Curator’s Choice Award, 2016)

URL
http://www.yoavfriedlander.com/

Synopsis

My work presents a chaotic perception of an “Americanized Israeli”; composed of American culture, desert landscapes and war. It is based on the recognition that reality is mediated through images as we experience many aspects of our world through photographs and not in person. In this body of work I mix images of Scale models I build with landscapes I photograph. The models are recreations of memories, collective and personal, places I saw only through photographs and other places I could only see in photographs due to restricted access. Like photographs this scale models share an indexical relation to the origin. I make them, and photograph them with the intent that they will echo the realism of the original and bare the illusion of the photograph. While Photographs refer to reality my models refer to the images that represent that reality. Both enable external observation of a reality through its copy.  
At times we find ourselves confused when the real seems to be different from how it should be according to its own image. It seems as if ever since the invention of the photograph, reality has become augmented by its own image.