STEMS

 

STEMS

BY CLÁUDIO REIS

Cláudio Reis was born in Vila do Conde, Portugal. He has an Architecture background, and since 2008 has been freelancer in illustration, digital visualization and photography. At the present moment he is finishing a Masters in Photography, at the Escola das Artes, Universidade Católica Portuguesa (UCP), Porto, Portugal.

His work has been distinguished and selected for several exhibitions and associated publications, more recently "Ancrages", Espace 6 Elzévir, Paris, 2013; and the First prize of the "Cityscopio International Photography Narrative Contest Cityscopio", 2013, with his series "Intermission", which had the city and the territory of Guimarães as main subject for a reflection on the impact and meaning of the event European Capital of Culture (CEC) 2012.

"Stems" acknowledges a society predominantly moved by visual stimulus, where every person is both an active photographer and a passive subject. As each minute passes by, pictures are taken, readily uploaded, tagged, shared, and forgotten. Conversely, this is not an innocent process. A mark has been made. In "Stems", each picture is found through a specific noun, verb or adjective. The images are then stripped down to their visual essence as to merge form, color and light, compressing the difference between surface and substance. Rooted in the language, yet visually nameless, they are no longer compelled to overtly simulate reality, perhaps blossoming into something completely unexpected. One never knows.

 

STATE OF MIND

 

STATE OF MIND

BY NUNO MOREIRA

Nuno Moreira is an independent visual artist working in the realm of graphic design, photography and collage. Born in 1982 (Lisbon), Nuno studied audiovisuals and multimedia communication but always worked as photographer, educator and designer, being most importantly a self-taught image-maker. Currently living in Tokyo and working independently since 2007 through his own studio NM DESIGN, which specializes in art direction for book covers, photography, music design and branding, his side projects include collage pieces under the banner of “Abrakadabra” and numerous series of photography projects/installations, such as the recent published book “State of Mind”.
As a multidisciplinary artist Nuno has exhibited solo and in group shows since 2006 in galleries around the world and his led by curiosity to experience different cultures and engage in stimulating new projects.

synopsys

"The intensity of a brief experience.
the feeling of being utterly suspended in time, beyond past and future
- this belongs to many, perhaps even to all sensations of beauty."

Peter Zumthor

"State of Mind" is a photographic series, and ultimately a book, about the individual quality of mysterious strangers.
The images were captured over a period of several years by Nuno Moreira traveling in countries such as Japan, Portugal, Hungary, Malaysia, Spain, South-Korea, Romania, Russia, Taiwan - and what emerged is a visual narrative on the poetic quality of individuality and what it means to be lost in thoughts.
The State of Mind series is about the “thinking moments” and the uncertain atmosphere surrounding the people and places encountered on the way.
The book was released as a limited edition of 500 copies and can be acquired online through the artist website or at selected bookstores around the world.

editor's note

Our aim is to disseminate and bring to light telling work of emergent or young photographers.

 

NENUFARES

 

NENUFARES

BY NUNO AWOUTERS

Nuno Awouters was born in Lisbon, has a background in photography by ESAA and APAF. Has completed his instruction as assistant of Jorge Molder and Carlos Alberto Lopes. Awouters has participated in several individual and colective exhibitions.


Synopsis

Water Lilies Science has demonstrated that each person makes their own interpretation of what they visualise, according to their experiences and what it’s more relevant to them. Therefore, one stimulus may evoke an infinite set of reactions and opinions. This set of images, without outlining the assumption, let that every single emotion that floats through the perspectives, perceive itself that isn’t always easy to change the course, cut the roots and break up the trajectory. In these twelve peculiar records it is captured the prelude of the dismay and the tiredness. The doors closed and the ones opening. The future of dubious opportunities cloistered beneath the salience given to the smoke and to the dark and hot colours. This series reflects a sapid view on this character more and more labeled – the emigrant. The water lilly that sails far away from the safe and comfortable, but forever attached to its origin. That undeniable root will follow him wherever he goes only for not being tied to the soil.


Editor´s note

The presented project was selected from a spontaneous submission made by Nuno Awouters. Our aim is to disseminate and bring to light telling work of emergent or young photographers.

 

MARE MOSSO

 

MARE MOSSO

BY SERGIO TRANQUILLI

It is a consistent evidence to say that Sergio Tranquilli lives and works in a central region of Italy, where he teaches literature, translates and imagine the paths that will lead him to travel the world so that, putting your ear to his passport, you can hear the sound of footsteps and the voice of the wind. He strives, as it has been suggested to him, to ensure that his "go either mild" but without losing contact with the earth. When he was a child he recognized himself in his pirate costume; today, his sympathy goes to those who manifest a certain spirit of rebellion, freedom, courage, adventure and imagination. With these people he loves to share the road, food and conversation.

synopsis

The “Mare Mosso” project, “Rough Sea”, starts from the idea of going to photograph a cemetery.  An exploration that has taken the form of a walk through the evidence; the hidden meaning in the everyday life. I think that my exploration has intercepted an invisible word made of charged lines of vitality. A journey towards life and not to death. A journey in the subtle intersection between what we arrange for living and the rising tide of life, between the sense of home and the unknown.


editor's note

Our aim is to disseminate and bring to light telling work of emergent or young photographers.

 

LIFE IN GENERAL

 

LIFE IN GENERAL

BY PAUL VAN VUGT

Paul van Vugt (Netherlands, 1978) is graduated from the Photo Academy in Amsterdam at the end of 2013. With his mainly non commissioned and analog work he focuses on the normal and everyday behaviour of man and on his environment. In his images this life seems a bit mysterious and alienating.

synopsis

These images are a part of my ongoing series Life in General. This series shows my need for rest and minimalism in our crowded, complex and restless world. In our system that’s driven by perfection and by ‘big-bigger-biggest’. I feel the need to simplify this world and to focus on apparently meaningless things.

In the meantime I ask myself the question what really makes sense. In my opinion the answer is nothing as well as everything.

 

TERRAIN VAGUE

 

TERRAIN VAGUE

BY JOÃO MARGALHA

SCOPIO ABOVEGROUND: TERRITORY (H. MENTION)


Terrain Vague consiste num conjunto de fotografias de fotografias tomadas em sítios devolutos de onde, previamente, foram retirados os objectos que se encontram pousados sobre elas. 

As fotografias “originais” apresentam-se na escala 1:1 e foram tiradas na vertical, como se o Google Earth tivesse subitamente aumentado a sua resolução, ao ponto de poder coincidir com o próprio território. 
Desta forma, o trabalho procura reflectir sobre a capacidade de percepção do visível e elevar os níveis de atenção para com o espaço real, olhando para os seus interstícios como valiosas zonas de resistência a uma prática urbanística hegemónica e arrogante.

01 - 40º 38’ 29,90’’N; 8º 38’ 34,59’’W
02 - 40º 38’ 22,77’’N; 8º 38’ 48,56’’W
03 - 40º 38’ 21,08’’N; 8º 38’ 46,00’’W
04 - 40º 38’ 57,55’’N; 8º 38’ 48,10’’W
05 - 40º 38’ 33,55’’N; 8º 38’ 34,36’’W
06 - 40º 38’ 58,28’’N; 8º 38’ 47,32’’W
07 - 40º 38’ 20,82’’N; 8º 38’ 46,25’’W
08 - 40º 38’ 30,04’’N; 8º 38’ 33,34’’W
08 - 40º 38’ 55,83’’N; 8º 38’ 24,39’’W
10 - 40º 38’ 21,80’’N; 8º 38’ 46,29’’W

Technical notes

Impressão jacto de tinta sobre papel Epson Premium Luster 260 coladas em PVC 5mm
Dimensões: 60 x 76,5 cm
Ano: 2012
Edição: 3+PA

Contact

jm@joaomargalha.com

 

IMAGINARY WORLD

 

IMAGINARY WORLD

BY ANDREA BUZZICHELLI


Andrea Buzzichelli began photographing in the 1990s. Since that time he has worked on numerous photographic projects. Mostly involved in fine art photography, in recent years he has developed a strong interest in professional photography, specializing in fashion and advertising photography. His work has been exhibited in Italy and abroad, in cities including Florence, Milan, London, New York, and Saint Petersburg. He has most recently exhibited as a member of the "collettivo Synapsee" which has created and produced a series of exhibitions on show throughout Italy.

synopsis

The human eye is not capable of taking in an objective reality. It does not see things as they are, for it is subject to the will of a thinking being and to that being's emotional state. “We don’t see things as they are, we see things as we are”. - Anais Nin The human eye is not capable of taking in an objective reality. It does not see things as they are, for it is subject to the will of a thinking being and to that being's emotional state. For this reason, every human view of the world is only partial and is in some way skewed. I utilize photography in an effort to go beyond, or at least involve the "deluded" viewer in an attempt to arrive at a single reality. It is a sort of game of comparison with a truth which is not necessarily deeper, but certainly "other." There is always something which escapes one's view and our sense of certainty decreases the longer we fix our gaze; we are amazed as an almost entire parallel world becomes manifest. The choice is our whether to consider it imaginary, or, on the contrary, to hold it as all the more real. 

Editor´s note

The presented project was selected from a spontaneous submission made by Andrea Buzzichelli. Our aim is to disseminate and bring to light telling work of emergent or young photographers.

 

GUARDAR O FOGO PARA DIAS DE POUCA LUZ

 
 

GUARDAR O FOGO PARA DIAS DE POUCA LUZ

POR MARIA OLIVEIRA

RECENÇÃO CRÍTICA

O projeto fotográfico “Guardar o fogo para dias de pouca luz” de Maria Oliveira é um trabalho que, pela forma como explora os aspetos estéticos e expressivos da imagem, introduzem um “outro espaço” entre o que é a representação realista do objeto (o seu valor de índice) e a representação de subjetividade da autora.

O trabalho de Maria Oliveira aproxima-se deste modo de uma certa fotografia documental contemporânea, mas que ainda mantêm uma ligação considerável às correntes modernistas de meados do século XX e interpela-nos de forma significativa a vários níveis. Pela mestria e poesia com que trabalha a luz e a palete monocromática a autora revela o seu domínio técnico e como foi influenciada pelos modernos que trabalhavam os aspetos técnicos da linguagem fotográfica como expressão plástica: a fotografia como um signo capaz de dar resposta a diversos discursos e propósitos. Por outro lado, possui características que o aproximam da fotografia contemporânea que explora com uma maior liberdade, não só os aspetos conceptuais - a ideia como atributo mais importante da imagem - como também os aspetos estéticos, ambos mais libertos da obrigação da representação realista do objeto. Atentem assim para a importância da ideia nuclear do projeto de Maria Oliveira que explora a analogia entre “guardar o fogo” e o “arquétipo de mãe” e observem também, por exemplo,  como nas fotografias 1,2 e 10 estas trazem uma sensação de estranheza ao espectador devido à composição das imagens e da forma como os elementos e corpos são retratados que introduzem uma fratura na lógica de reconhecimento tradicional dos lugares relacionais. Por outro lado, a construção das imagens nas fotografias 15 e 17 também denotam um “outro olhar” mais contemporâneo porque são composições que fazem com que a pessoa seja simultaneamente percecionada como uma extensão e como um elemento exterior à paisagem.

Maria Oliveira é uma autora que já participou em diversas residências artísticas, tem exposições individuais e coletivas e possui no seu curriculum já diversos prémios, estando representada na coleção do MAR-Museu de Arte do Rio.

Pedro Leão Neto

Fevereiro de 2018

RESUMO

O projecto centra-se no arquétipo de mãe. Partindo da minha referência mais próxima, exploro gestos, posturas e características comuns a um tempo e lugar. Guardar o fogo para dias de pouca luz compreende também o conceito de mãe como elemento, mãe-terra e mãe-natureza.

BIOGRAFIA

Nasceu em Ponte de Lima (1982) e reside, actualmente, no Porto.  Entre 2016 e 2017 foi artista residente da Ci.clo - Plataforma de Fotografia, onde desenvolveu o projecto ‘Guardar o fogo para dias de pouca luz’, que integrou a exposição coletiva itinerante, patente em vários locais em Portugal e no estrangeiro. Em 2017, expôs no Colégio das Artes, em Coimbra, o trabalho ‘Sedimento’ e participou na exposição Atlántica Colectivas do Festival Fotonoviembre, em Tenerife. O projecto ‘sob vigia dos animais antigos’ foi exposto no FotoRio (Rio de Janeiro), Festival Outono Fotográfico (Ourense), Galeria More Than A Gallery (Paris). Participou nas publicações A Process, Der Greif Magazine (Alemanha), Cadernos de Imagens, Cineclube de Guimarães e Revista Golpe D’Asa e em diversas plataformas online. Foi selecionada para a Leitura de Portfolios da PhotoEspaña (PHE) em 2016, vencedora do Festival Audiovisual Black & White, em 2015 e 2007 e do Concurso Portugalidades, em 2012.  Integra a colecção do MAR-Museu de Arte do Rio.

mariaoliveira.fotografia@gmail.com

 

GOODBYE PYONGYANG

 

GOODBYE PYONGYANG

BY PAULO SIMÃO



Cartaxo, 1973. Reside em Lisboa.
Licenciatura em Publicidade pelo IADE; Designer gráfico; Finalista do Curso Avançado de Fotografia do Ar.Co.

Exposições/Projecções:
Selecionado para os “Discovery Awards” dos Encontros da Imagem de Braga de 2016, participa em setembro na sessão de projeções com o projeto “Prozac”. Selecionado para os “Discovery Awards” dos Encontros da Imagem de Braga de 2015, participa em setembro na sessão de projeções com o projeto “Goodbye Pyongyang”.
Em abril de 2015, participa na exposição coletiva A Revolução Está na Rua no âmbito das Comemorações do 25 de Abril de 2015 do Arquivo Municipal Fotográfico de Lisboa.
Em setembro de 2014, participa na exposição The Polaroid Show com o projeto In Abandoned na Doomed Gallery no âmbito da Semana da Fotográfica Analógica de Londres.
Em 2012, participa com a instalação fotográfica CasaNostra – Os Sete Pecados Capitais, na exposição coletiva Polaroid Park na Fábrica Braço de Prata, exposição itinerante que, entretanto, esteve patente no Barreiro, Beja e Évora.




Synopsis



Este projeto retrata uma viagem fictícia por um dos países mais isolados do mundo, pela sua estética e estratégias de propaganda (de onde se destaca o culto da personalidade), para refletir sobre o outro lado, o nosso lado, o do mundo globalizado, altamente mediático, do poder, da ilusão, da manipulação e da acção das imagens, dos seus limites e das suas finalidades.
Aqui, tal como num regime totalitário, tudo é controlado, agora, tal como no mundo mediático, tudo é controlado. As imagens deste projeto foram realizadas entre 2014 e 2014 em Portugal, Espanha e Holanda.

Imagens realizadas em formato digital. Recurso a fotomontagem na produção de algumas imagens.

Máquina: Fuji XE1, XE2 e XPro 1
As imagens selecionadas são uma parte das 32 imagens que constituem o corpo de trabalho deste projeto.


Todos os objetos são originais e foram, na sua grande maioria, adquiridos com recurso a meios globais como o ebay.

www.paulosimao.pt

 

ERRANTE

 

ERRANTE

BY MARIA JOÃO FERREIRA 

Em “errante” reúne-se um conjunto de imagens que derivam de um arquivo fotográfico pessoal. Fotografias revisitadas, na procura de pistas, como auxilio à memoria, de um caminho percorrido. A relação entre memória e o medium fotográfico, forma um novo discurso, através da deformação do próprio medium. As deturpações da memória criam novas regras para a apresentação das imagens. A sugestão narrativa forma-se através da imaginação, sobrepondo-se ao lembrar involuntário. Cria-se uma identidade, uma personagem, que vagueia entre momentos que se confundem com imagens alucinatórias. A mutabilidade dos espaços, dos objetos e das pessoas que surgem, apelam à vulnerabilidade das recordações. Mas desta fragilidade, nasce uma sensibilidade para a observação dos fragmentos.

Sobre o autor 
Maria João Ferreira nasceu em Portugal em 1994. Artista visual cujo trabalho se desenvolve em torno da imagem, envolvendo e explorando o medium da pintura, da fotografa, da impressão e do desenho; reflectidos através da construção de instalações. Licenciada em Pintura pela Faculdade de Belas Artes Da Universidade do Porto, onde frequenta actualmente o Mestrado de Design da Imagem. Vive e trabalha no Porto.

Fotografa analógica (2010 / 2017) manipuladas no processo de digitalização.

email

 

EPIFANEIA

 

EPIFANEIA

BY MARIA BOURBOU

 

Maria Bourbou was born in 1971 in Athens, where she grew up. After that, she studied photography at the private photography school Dimitrios Hliveros, in 1998. In 1999, she participated in a seminar by Nikos Oikonomopoulos (Magnum Agency), provided by the Hellenic American Union, under she subject “Objective and subjective truth in photography”. Three years after, at the same place, she took part in other seminar by Jerry Schatzberg (photographer/film director), under the sibject “Photography-Relations to cinema”.
In 2015, she went to a workshop with Jem Southam in Lisbon, at Atelier de Lisboa.
She moved to Luxembourg in 2006, and in 2012, she moved back to Lisbon.
 

synopsis

Burning from the disruption,
you shake every structure
Exactly...
the eyes embrace the bear truth,
mine, before you.
Abruptly I mould myself in the drought,
alone...
dismayed by the solid beauty.

 

editor's note

Our aim is to disseminate and bring to light telling work of emergent or young photographers.

 

EST-CE QUE

 

EST-CE QUE

POR JOSÉ MANUEL SOARES

José Manuel Soares nasceu no Porto em 1964. É fotógrafo e professor. De 1993 a 1995 leccionou a disciplina de Tecnologia da Comunicação Educativa na Faculdade de Ciências da Educação do Porto e, de 2006 a 2013, é professor de fotografia na EB2/3 de Valongo.
O seu trabalho já foi publicado em várias revistas e jornais a nível nacional, como “O Primeiro de Janeiro”, “Em Foco”, “Tal&Qual”, “Jornal de Notícias”, “Diário de Notícias”, “O Jogo”, “Blitz”, “A Página”, e também a nível internacional, como “Réponses Photo”, “Photo”, “Pois”, Blickpunkt”.
O seu trabalho foi também publicado em vários livros, bem como é notória, também, a sua participação na ilustração gráfica de livros.
Para além disso, já deu várias conferências na área da disciplina da Fotografia, e já participou, também, em muitas exposições a título individual e colectivas.


synopsis

As fotografias da série “Est-ce que” não estão relacionadas entre si.
Cada fotografia fica como uma unidade narrativa, colada apenas a pequenas semelhanças formais que se podem adivinhar na totalidade do projecto.
No olhar assumido, na encenação de alguns personagens, no cenário, na codificação de olhares entre o fotógrafo e o fotografado existem segundos (em alguns casos) ou vidas inteiras (na maioria) que podem ser reinventadas através do exercício simples de olhar e deixar que cada imagem se acomode no imaginário, se constitua como um legado pessoal de quem vê e não uma atitude directiva do autor. 
Ficaria completamente satisfeito se estas imagens roubadas ou inventadas num contexto de realidade, fossem, dentro da cabeça de quem as vê, uma escada para lugares, desejos, fragâncias ou até soturnas e ridículas analogias.
No meu enquadramento há uma constante flutuação de pensamentos, embora sempre reinventados a partir do meu passado. Por entre as imagens descubro curiosas influências. Parece lógico que assim seja. Inevitável que assim se analise.
Formulo a hipótese que me leva a usar a fotografia como aconchego para o pensamento: em cada novo olhar uma nova verdade aparece, essa verdade será recondicionada ou alterada na edição.
Sinto-me confortável com este registo cheio de pequenos maneirismos e seduções.
“Est-ce que” confirma esta vontade de voltar à fotografia tal como a conheço. Fica, neste projecto, um conjunto de histórias marcadas por um ritmo aleatório, com um som afrancesado de fundo e uma leve luz de Paris.

editor's note

The presented project was selected from a spontaneous submission made by José Manuel Soares.

 

COLEÇÃO (I)

 

COLEÇÃO (I)

BY CILLAS SEYDE

Cillas Seyde (1988) é uma artista visual que vive e trabalha em A Coruña, Espanha. Licenciou-se em Belas Artes pela Universidade de Vigo em 2011 e em 2014 acaba o Mestrado em Práticas Artísticas Contemporâneas pela Universidade do Porto. Ao longo do seu precurso artístico paticipou em várias exposições colectivas e individuais tanto no Porto como em outras cidades europeias: “Hidden in the center” (Bruxelas, 2011), “Traza urbana” (A Corunha, 2012), “NowHere” (Porto, 2014).


Synopsis
Serie de  slides composta por imagens de diferentes registos lumínicos.
Para esta série estava interessada em “coleccionar” diferentes momentos de luz, onde o papel da luz actua como um elemento que desenha a imagem, que a compõe.


Série de 20 slides a cor, 2014.